Assistimos o filme de Borderlands

 Confira como foi a experiência de assistir o filme Borderlands.

Ontem (13), foi dia de ir com a família ao cinema para assistir ao filme Borderlands. Meu filho mais velho, que é grande fã da franquia, estava ansioso para ver o filme e confesso que estava muito curioso, principalmente pela repercussão extremamente negativa.

E qual foi nossa impressão?

Meu filho que jogou e rejogou os games, adorou! Riu, se divertiu e reconheceu muitos elementos do jogo, mesmo sendo uma adaptação. Em nenhum momento se incomodou com algo no filme, nem com o uso abundante de CGI nos cenários.

Minha esposa, que conhece pouco do universo de Borderlands, também se divertiu bastante. Riu bastante nas cenas engraçadas e apreciou o ritmo frenético do filme.

Eu me diverti muito! Ri, curti, e achei que foi uma adaptação muito boa! Realmente não entendo todo esse ódio. Se algo me incomodou, foi o excesso de CGI, mas entendo que recriar cenários reais é complicado e caro, ainda mais em um filme que não tem garantia de sucesso.

As atuações foram adequadas, mas é aquilo: é um filme adaptado de um jogo, onde o humor e a ação predominam. Não há muito espaço para grandes atuações, e nem faz sentido exigir isso. O ritmo frenético faz o filme passar rápido, não é cansativo ou impossível de assistir, como alguns pintam na internet.

No fim, é um filme de videogame para fãs de videogame, mas pode agradar outras pessoas também. Tudo depende de como você assiste, do seu olhar. Se você já vai achando que é ruim, só vai enxergar os defeitos. Meu conselho é: assista de mente aberta e aproveite.

7,5/10

Você pode conferir um pouco da minha experiência da minha opinião no vídeo abaixo:

Quem é Vivi Ornitier?

 Um dos personagens mais memoráveis e queridos da história dos videogames

Vivi Ornitier é um dos personagens mais icônicos e queridos de Final Fantasy IX, o nono título principal da renomada franquia de RPG da Square Enix. Com seu design marcante, personalidade cativante e arco de desenvolvimento profundo, Vivi conquistou uma legião de fãs desde o lançamento do jogo em 2000.

Concepção

Vivi foi concebido por Yoshitaka Amano, o lendário designer de personagens da série Final Fantasy. O visual de Vivi é fortemente inspirado nos magos negros dos jogos anteriores da franquia, com sua túnica azul, chapéu pontudo e rosto obscurecido por sombras, deixando apenas os olhos brilhantes visíveis. Esta estética remete diretamente aos magos negros do primeiro Final Fantasy, mas Vivi trouxe uma profundidade emocional e narrativa que o destacou dos arquétipos anteriores.

A intenção original era criar um personagem que personificasse o tema de identidade e existência, que é central em Final Fantasy IX. A jornada de Vivi é uma exploração de autodescoberta, dúvida e aceitação, refletindo as próprias incertezas e questionamentos sobre o propósito da vida.

Características

Vivi é apresentado como um pequeno mago negro com apenas 90 cm de altura, uma figura frágil e aparentemente desajeitada. Sua voz suave e comportamento tímido contrastam com o poder destrutivo que ele possui como mago. Esses elementos contribuem para sua aura de inocência e vulnerabilidade, que é central para a empatia que os jogadores sentem por ele.

Apesar de sua aparência juvenil, Vivi é extremamente introspectivo e filosófico. Ao longo do jogo, ele luta com questões existenciais profundas, especialmente após descobrir sua verdadeira natureza como um ser artificial criado para a guerra. Suas interações com os outros personagens são carregadas de uma melancolia subjacente, mas também de uma pureza e sinceridade que o tornam um dos personagens mais humanos do jogo.

História dentro de Final Fantasy IX

Vivi faz sua primeira aparição em Final Fantasy IX quando chega à cidade de Alexandria para assistir a uma peça teatral. Sua jornada começa de forma modesta, mas rapidamente se torna central para a narrativa principal do jogo. Através de uma série de eventos, Vivi se junta a Zidane Tribal e seu grupo de aventureiros em uma missão para impedir os planos nefastos da rainha Brahne e, posteriormente, de Kuja.

À medida que a história avança, Vivi descobre que ele é, na verdade, um mago negro artificial criado em massa pela nação de Alexandria para servir como soldado em suas guerras. Esta revelação é devastadora para Vivi, que começa a questionar sua própria existência e propósito. Ele se pergunta se sua vida tem algum significado ou se ele é apenas uma ferramenta descartável.

Um dos momentos mais emocionantes de Final Fantasy IX é quando Vivi confronta outros magos negros e descobre que eles têm um tempo de vida limitado, que eventualmente leva à “paralisação”. Este conhecimento pesa fortemente sobre Vivi, que teme sua própria mortalidade iminente. No entanto, em vez de sucumbir ao desespero, Vivi encontra força em suas amizades e decide viver sua vida ao máximo, mesmo com o tempo limitado que lhe resta.

Impacto

A jornada de Vivi é uma das mais comoventes em Final Fantasy IX, e talvez em toda a série. Seu desenvolvimento de um jovem inseguro e assustado para um indivíduo que aceita sua mortalidade e encontra significado na vida é um testemunho do poder da narrativa em videogames. Vivi ensina aos jogadores lições valiosas sobre aceitação, coragem e a importância de viver no presente.

O impacto de Vivi vai além de Final Fantasy IX. Ele é frequentemente citado em listas de melhores personagens de RPG e é lembrado com carinho pelos fãs. Sua imagem e frases são recorrentes em produtos e homenagens relacionadas à série, e ele aparece em spin-offs e jogos de crossover da franquia Final Fantasy.

Vivi deixou uma marca indelével na cultura dos videogames. Sua história e caracterização são frequentemente usadas como exemplos de como os jogos podem explorar temas complexos e provocar emoções profundas nos jogadores. Ele é um personagem que transcende o próprio jogo, representando a capacidade dos videogames de contar histórias significativas e impactantes.

Muito além de FFIX

Vivi é mais do que apenas um personagem de videogame; ele é um emblema da humanidade, com todas as suas fragilidades e forças. Sua história em Final Fantasy IX continua a tocar os corações dos jogadores, provando que até mesmo os personagens mais pequenos podem ter o impacto mais profundo. Ele nos ensina que a verdadeira força vem de dentro e que, mesmo diante da morte, podemos encontrar beleza na vida.

Através de Vivi, Final Fantasy IX entrega uma mensagem poderosa e atemporal, que continua a ressoar com aqueles que experimentam sua história. Ele é, sem dúvida, um dos personagens mais memoráveis e queridos da história dos videogames, e seu legado perdurará por muitos anos.

Vídeo review de 2XKO, da Riot Games

 Venha conhecer mais do jogo de luta derivado de League of Legends que está em alpha test

A Safe Zone Games teve a oportunidade de testar o jogo de luta “2XKO” em sua nova fase alpha (versão de PC), um estágio inicial de desenvolvimento que geralmente passa por muitas mudanças até o beta aberto.

“2XKO” é um spin-off de League of Legends, um dos MOBAs mais populares e jogados no mundo. Embora o jogo utilize o universo e os personagens de LoL, sua jogabilidade é totalmente diferente.

Com lutas rápidas e visuais bem detalhados, o jogo lembra bastante DRAGON BALL FighterZ. Embora ainda não seja tão dinâmico, muitas coisas podem mudar até o lançamento. No momento, há poucos personagens disponíveis, mas o jogo tem se mostrado promissor nos testes. Confira a jogabilidade e meus comentários no vídeo abaixo:

Quem é a Krafton? Empresa que comprou a Tango Gameworks

 Empresa da Coreia do Sul que está cada vez mais expandindo-se dentro do mercado de games

Krafton Inc., uma das potências emergentes da indústria de jogos, é uma empresa que talvez você não conheça pelo nome, mas certamente está familiarizado com seus produtos. Criadora de títulos icônicos como PlayerUnknown’s Battlegrounds (PUBG), a Krafton consolidou-se como uma das líderes na criação de experiências de jogos online e continua a expandir suas fronteiras no mercado global de games

Origem

Fundada em 2007 na Coreia do Sul, a Krafton Inc. nasceu originalmente como Bluehole Studio Inc., uma empresa dedicada ao desenvolvimento de jogos online. Seu primeiro grande sucesso foi TERA (The Exiled Realm of Arborea), um MMORPG lançado em 2011, que se destacou pela jogabilidade dinâmica e gráficos impressionantes para a época. O sucesso de TERA colocou a Bluehole no radar da indústria global, estabelecendo a base para o que estava por vir.

Em 2015, a empresa deu um passo significativo ao criar uma subsidiária chamada Bluehole Ginno Games, que eventualmente se tornou conhecida como PUBG Corporation. Foi essa divisão que desenvolveu e lançou PlayerUnknown’s Battlegrounds em 2017, um jogo que não apenas definiu o gênero battle royale, mas também mudou o curso da indústria de jogos. O sucesso esmagador de PUBG foi o ponto de virada que levou à criação da Krafton Inc. em 2018, como uma holding para unificar as várias subsidiárias e projetos da Bluehole.

Além do PUBG

Com o sucesso de PUBG, a Krafton se posicionou como uma empresa focada em inovação e diversificação. A holding passou a incluir várias subsidiárias, cada uma especializada em diferentes aspectos do desenvolvimento e publicação de jogos. Além da PUBG Corporation, a Krafton administra estúdios como Bluehole Studio, Striking Distance Studios e RisingWings, cada um com uma identidade única e uma abordagem distinta ao desenvolvimento de jogos.

Um exemplo notável dessa diversificação é o Striking Distance Studios, liderado por Glen Schofield, co-criador da série Dead Space. O estúdio de The Callisto Protocol, um jogo de terror de sobrevivência.

Futuro

A Krafton tem explorado novas tecnologias e tendências na indústria de games. A empresa está investindo em inteligência artificial, realidade aumentada e virtual, e blockchain, preparando-se para o futuro dos jogos digitais. A Krafton também está explorando oportunidades no mercado de esports, onde PUBG continua a ser um dos títulos mais populares.

A influência da Krafton na indústria de games não pode ser subestimada. Com PUBG, a empresa não apenas criou um dos jogos mais populares da última década, mas também ajudou a definir um novo gênero que influenciou incontáveis outros títulos. O compromisso da Krafton com a inovação, diversificação e expansão global sugere que a empresa continuará a ser uma força dominante no mercado de jogos.

O futuro da Krafton parece promissor, com vários projetos empolgantes em desenvolvimento, incluindo novos jogos no universo de PUBG e IPs originais como The Callisto Protocol. A empresa está bem posicionada para enfrentar os desafios da indústria e continuar a moldar o futuro dos jogos, seja através da criação de novos sucessos ou da exploração de novas tecnologias que possam redefinir a experiência dos jogadores. A ideia de ir além se comprova mais um vez, com a recente compra da Tango Gameworks e da IP Hi-Fi Rush.

Vídeo dedicado não reconhece Crash Bandicoot N. Sane Trilogy?

 Crash Bandicoot N. Sane Trilogy não reconhece placa dedicada? Resolva agora.

Olá, player! Notei que algumas pessoas, assim como eu, estão tendo problemas com o Crash Bandicoot N. Sane Trilogy de PC pelo fato dele não reconhecer a placa de vídeo dedicada, sendo executado assim na placa integrada.

O problema está sendo mais frequente em laptops, mas desktops, principalmente com placas Nvidia também estão liderando as reclamações.

Mas qual a maneira mais rápida e prática de arrumar isso?

No Windows 10/11: Abra o painel de controle da Nvidia, vá na opção Gerencial Configurações em 3D, e na opção Processador gráfico preferido coloque sua placa dedicada, exatamente na imagem abaixo:

Naturalmente existem outras formas de correção, mas essa, como mencionei, é a mais rápida e prática para resolver a questão.

Quem é Soma Cruz?

Conheça um pouco mais de Soma Cruz, personagem da franquia Castlevania.

Soma Cruz é um dos personagens mais icônicos da série Castlevania, uma das franquias mais queridas e influentes da história dos videogames. Introduzido pela primeira vez em Castlevania: Aria of Sorrow (2003), Soma rapidamente se tornou um dos protagonistas favoritos dos fãs, não apenas por seu design moderno e cativante, mas também por sua profunda conexão com a mitologia clássica da série.

Origens e concepção

Soma Cruz foi criado por Koji Igarashi, um dos principais desenvolvedores da série Castlevania. O design de Soma representava uma mudança significativa em relação aos protagonistas anteriores da série. Ao contrário dos tradicionais caçadores de vampiros da família Belmont, Soma era um jovem estudante japonês, com características modernas e um estilo visual mais próximo dos animes, uma escolha deliberada para atrair um público mais jovem e diversificado. Sua aparência distintiva, com cabelos brancos e um estilo gótico, juntamente com sua postura introspectiva, diferenciam-no imediatamente dos heróis anteriores.

Aparições em jogos

Castlevania: Aria of Sorrow (2003)

A estreia de Soma Cruz ocorre em Castlevania: Aria of Sorrow para o Game Boy Advance. A história é ambientada no ano de 2035, um cenário futurista para a série. Soma é um estudante japonês que, durante um eclipse solar, é transportado para o castelo de Drácula, onde descobre que possui o “Poder da Dominância”, uma habilidade que lhe permite absorver as almas dos inimigos derrotados, ganhando suas habilidades. Ao longo do jogo, Soma descobre que ele é a reencarnação do próprio Drácula, um dos maiores vilões da franquia. Contudo, em vez de sucumbir à escuridão, Soma rejeita seu destino sombrio e derrota os planos daqueles que desejam ressuscitar Drácula.

Castlevania: Dawn of Sorrow (2005)

Dawn of Sorrow é a sequência direta de Aria of Sorrow e foi lançado para o Nintendo DS. Soma retorna como protagonista, e a história continua explorando as consequências dos eventos do primeiro jogo. Mais uma vez, Soma é confrontado com a possibilidade de se tornar o novo Senhor das Trevas, enquanto enfrenta uma nova ameaça que deseja usar seu poder para ressuscitar Drácula. O sistema de jogo mantém a mecânica de absorção de almas, mas com melhorias e novas adições, como o uso da tela de toque do Nintendo DS.

Outras aparições

Soma Cruz também faz aparições em outros títulos e mídias relacionadas à série Castlevania. Ele aparece em jogos como Castlevania: Harmony of Despair (2010) e em diversos spin-offs e crossovers, além de ser frequentemente mencionado em materiais promocionais e mercadorias da franquia.

Personalidade e desenvolvimento

Soma Cruz é caracterizado por sua natureza calma, introspectiva e resiliente. Ao contrário de muitos protagonistas que abraçam seu papel heroico, Soma é relutante em aceitar seu destino. Seu desenvolvimento ao longo dos jogos mostra um jovem que luta contra seu destino sombrio, constantemente desafiando a ideia de que ele deve se tornar o novo Drácula. Sua luta interna, juntamente com sua bondade inerente e determinação, fazem dele um personagem complexo e cativante.

Poderes e habilidades

O poder principal de Soma Cruz é a “Dominância”, que lhe permite absorver as almas dos inimigos derrotados. Essas almas conferem a Soma uma vasta gama de habilidades, que vão desde ataques físicos a magias poderosas. Essa mecânica de jogo não só define a jogabilidade de Aria of Sorrow e Dawn of Sorrow, mas também reflete o tema central do personagem: a luta entre o bem e o mal dentro de si.

Impacto e legado

Soma Cruz é amplamente considerado um dos melhores protagonistas da série Castlevania. Sua introdução trouxe um novo fôlego à franquia, apresentando uma história e mecânicas de jogo inovadoras que foram bem recebidas tanto pela crítica quanto pelos fãs. Os jogos em que ele aparece, especialmente Aria of Sorrow, são frequentemente listados entre os melhores títulos da série, e a profundidade do personagem contribuiu significativamente para a longevidade e relevância contínua de Castlevania.

Soma Cruz é um exemplo notável de como a franquia Castlevania conseguiu se reinventar ao longo dos anos, mantendo sua essência enquanto explora novos territórios. Sua história, poderes, e a luta interna contra seu destino sombrio fazem dele um personagem inesquecível. Mesmo anos após sua estreia, Soma continua a ser um dos favoritos entre os fãs, simbolizando o equilíbrio perfeito entre tradição e inovação na icônica série Castlevania.

Review de Mars 2120

MARS 2120 é um metroidvania desenvolvido pela QUByte Interactive, a maior publicadora de jogos independentes da América Latina. O jogo é fortemente inspirado por outros games do mesmo gênero, como Metroid e Dead Cells. Sua temática futurista é relevante ao momento atual, em que viagens para Marte e a exploração espacial estão prontas para atingir novos níveis históricos.

Desenvolvido usando a Unreal Engine, o jogo foi lançado para PC, Switch, Xbox One, Xbox Series X/S, PS4 e PS5 em 1° de agosto de 2024. Além de mecânicas diferenciadas, MARS 2120 inclui várias opções de acessibilidade, tornando-o personalizável para alcançar o maior número de jogadores possível.

História

Chegamos ao século 22 (ano 2120) e a raça humana finalmente conseguiu construir e tornar habitável uma colônia no planeta Marte. Além de abrigar seres humanos, o local também realizava experimentos. Tudo ia bem até que um sinal de socorro foi enviado às Nações Unidas, e você é designado para investigar o que aconteceu. No entanto, a missão parece mais uma análise de danos do que um resgate.

Ao chegar na colônia, você se depara com um cenário caótico e assustador, reminiscentes de jogos como “Doom” e “Dead Space”. O contexto se torna cada vez mais perturbador à medida que você descobre a verdade… se conseguir sobreviver. O enredo é revelado através de arquivos de áudio que você vai encontrando durante as explorações.

Gameplay/Jogabilidade

Chegamos ao ponto que considero o mais importante em um metroidvania: a jogabilidade. O jogo começa em um bom ritmo, apresentando os inimigos primários de forma gradual. O ritmo é constante e não frenético, com inimigos que, embora não variem muito, representam desafios distintos. Alguns são imunes a determinadas armas e habilidades, uma das mecânicas interessantes de MARS 2120.

O jogo possui uma mecânica de habilidades específicas para cada arma. Por exemplo, tiros carregados de eletricidade podem desbloquear áreas e permitir o transporte por paredes e portas energizadas. Há também a habilidade de deslizar por dentro de fiação em curto, entre outras. Além disso, há armas e habilidades baseadas em outros elementos, como gelo, que permitem superar desafios específicos e acessar novas áreas, incentivando a exploração contínua.

Diversas melhorias podem ser feitas no personagem, dependendo da quantidade de exploração e inimigos derrotados. Quanto mais pontos de experiência você acumular, mais poderá investir para se tornar mais forte e resistente.

O jogo apresenta algumas quebras de ritmo devido à exploração, que depende das armas e habilidades desbloqueadas. Às vezes, você pode acabar em uma rota errada e travar em um ponto que requer algo que ainda não adquiriu, precisando voltar e explorar áreas que deixou passar.

Como é típico do gênero, você enfrentará chefes que exigem domínio das habilidades e uso do combate corporal para causar o máximo de dano possível. Eles muitas vezes utilizam o cenário e golpes poderosos, por isso é importante ficar atento aos movimentos deles para prever o que vem a seguir e se preparar. Joguei a versão de PC (Steam) com tudo no máximo, e o jogo manteve-se fluido o tempo inteiro.

Algo interessante que preciso mencionar nesta review, é que um amigo está jogando em paralelo e nós chegamos ao mesmo ponto do jogo, porém, fizemos rotas diferentes para chegar lá, incluindo a ordem dos chefes derrotados.

Gráficos e trilha sonora

Achei os cenários – que achei bem inspirados por Metroid Prime – itens de preenchimento e o visual geral muito competentes. Foi escolhido um estilo de arte diferente, onde os elementos não são tão nítidos. Acredito que essa seja uma escolha artística que combina perfeitamente com a atmosfera envolvendo outro planeta e me passou uma sensação de que estamos vendo de um capacete. Quanto aos sons, tudo é muito competente, sem nada a acrescentar aqui.

Ponto de observação

Durante algumas batalhas contra chefes o som ambiente sumiu, seguido da ausência do som das armas e golpes, retornando apenas alguns segundos depois. Não atrapalha a gameplay, mas em uma luta contra chefe, sem a trilha sonora, perde-se um pouco da emoção e atmosfera de tensão do combate.

Algumas animações relacionadas aos chefes parecem um pouco ultrapassadas, acredito que isso seja devido ao fato de o estúdio nunca ter trabalhado nesse tipo de game antes. Novamente, não impacta na gameplay, mas fica essa observação para que as animações sejam mais fluidas e menos mecânicas.

Conclusão

Estamos diante de um ótimo jogo do gênero. Embora não seja o ápice da inovação, o game nos presenteia com diversas mecânicas interessantes e semelhanças com outros games do gênero, ele nos incentiva a explorar cada cantinho em busca de upgrades e isso torna a gameplay mais fácil e dinâmica, evitando que se resuma apenas a atirar e avançar.

Os chefes não são um grande desafio, apenas exigem atenção. O sistema de mapa é fácil de aprender, e você pode facilitar ainda mais sua navegação com as opções de acessibilidade. Além disso, há um sistema de transporte que facilita as idas e vindas típicas do gênero. 

Com uma jogabilidade fluida, mecânicas legais e um visual muito atraente, Mars 2120 tem grande potencial para fazer sucesso.

9/10

Quem é Carrie Kelley?

 Conheça uma "Robin" diferente.

Carrie Kelley é um dos personagens mais icônicos e únicos a assumir o manto de Robin, o parceiro do Batman. Criada por Frank Miller e aparecendo pela primeira vez na série de quadrinhos “The Dark Knight Returns” de 1986, Carrie rapidamente se destacou por sua personalidade marcante, coragem e a diferença que traz ao tradicional papel de Robin.

Origem e criação

Carrie Kelley foi introduzida por Frank Miller em “The Dark Knight Returns”, uma minissérie de quadrinhos que revolucionou o gênero e redefiniu o Batman para gerações futuras. Situada em um futuro distópico onde Bruce Wayne está aposentado, a história mostra um Batman envelhecido retornando à ação para enfrentar o caos em Gotham City. Carrie, uma adolescente de 13 anos, torna-se Robin depois de salvar Batman durante uma batalha. Inspirada por seu heroísmo, Bruce a treina para ser sua parceira.

Características e personalidade

Carrie Kelley se destaca de outros Robins por várias razões:

Independência e Iniciativa: Carrie não é escolhida por Bruce Wayne; ela se torna Robin por sua própria iniciativa e determinação.

Coragem e resiliência: Apesar de sua idade jovem, Carrie demonstra uma coragem extraordinária e uma habilidade impressionante para enfrentar adversidades.

Inteligência e inovação: Carrie usa seu intelecto para criar suas próprias armas e dispositivos, muitas vezes improvisando com recursos limitados.

Empatia e otimismo: Ao contrário de muitos personagens no sombrio universo de “The Dark Knight Returns”, Carrie mantém uma visão otimista e uma atitude empática.

Arcos narrativos principais

Carrie Kelley aparece em várias histórias dentro e fora da continuidade de “The Dark Knight Returns”:

The Dark Knight Returns: Aqui, Carrie salva Batman de um ataque dos Mutantes e se torna sua nova Robin. Ela desempenha um papel crucial na luta contra o líder dos Mutantes e na batalha final contra o Superman.

The Dark Knight Strikes Again: Na sequência, Carrie adota a identidade de Catgirl e continua a lutar ao lado de Batman contra um governo corrupto e vilões ressurgidos.

The Dark Knight III: The Master Race: Nesta série, Carrie assume o manto de Batman após a suposta morte de Bruce Wayne, demonstrando sua evolução e importância dentro do universo do Cavaleiro das Trevas.

Elseworlds e Multiverso DC: Carrie também aparece em várias histórias de realidades alternativas e do multiverso, consolidando seu papel como uma personagem versátil e adaptável.

Impacto cultural e recepção

Carrie Kelley foi bem recebida tanto pela crítica quanto pelos fãs. Sua introdução em “The Dark Knight Returns” foi um ponto de virada para o personagem de Robin, oferecendo uma perspectiva fresca e uma nova dinâmica para o relacionamento entre Batman e seu parceiro. Carrie se tornou um símbolo de diversidade e empoderamento feminino nos quadrinhos, sendo uma das primeiras mulheres a assumir o papel de Robin.

Além dos quadrinhos, Carrie Kelley também influenciou outras mídias. Ela apareceu em adaptações animadas de “The Dark Knight Returns” e inspirou representações de Robin em outras séries e filmes. Seu impacto é sentido na forma como os personagens femininos são tratados nos quadrinhos, abrindo caminho para mais protagonistas mulheres em papéis tradicionalmente ocupados por homens.

Futuro de Carrie Kelley

O futuro de Carrie Kelley no universo DC continua promissor. Com o crescente interesse em histórias que exploram realidades alternativas e o multiverso, há um potencial significativo para Carrie aparecer em novas narrativas e adaptações. Seu legado como uma Robin inovadora e inspiradora garante que ela permanecerá uma personagem relevante e amada pelos fãs.

Carrie Kelley é mais do que apenas uma versão alternativa de Robin; ela é uma personagem que trouxe uma nova dimensão ao universo de Batman. Com sua coragem, inteligência e espírito indomável, Carrie se estabeleceu como uma heroína única e inspiradora. Para aqueles que ainda não a conhecem, Carrie Kelley oferece uma visão revitalizante do que significa ser um parceiro do Cavaleiro das Trevas, garantindo seu lugar como uma figura icônica no panteão dos quadrinhos. Sinceramente, espero ver mais dela em breve.

Conheça Hallstatt, cidade inspiração de Dungeons of Hinterberg

 

Sabia que a cidade mágica de Dungeons of Hinterberg se inspirou em um lugar real da Áustria? Descubra qual é!

Um encanto histórico no coração da Áustria

Mergulhe no universo de Dungeons of Hinterberg e descubra a cidade austríaca que inspirou essa aventura épica! Uma experiência única para os fãs de RPG.

Hallstatt é uma pequena cidade situada na região de Salzkammergut, na Áustria, e é conhecida mundialmente por sua beleza cênica e importância histórica. Com apenas cerca de 800 habitantes, Hallstatt é um destino que parece saído de um conto de fadas, com suas casas tradicionais alinhadas à beira do lago Hallstätter See, cercadas por montanhas majestosas.

História e patrimônio

Hallstatt tem uma rica história que remonta a milhares de anos. A cidade dá nome à “Cultura de Hallstatt”, uma cultura arqueológica da Idade do Ferro, que floresceu na Europa Central entre os séculos VIII e V a.C. Esta época foi marcada por uma próspera sociedade baseada na mineração de sal. O sal, também conhecido como “ouro branco”, era extremamente valioso na antiguidade, e Hallstatt era uma das principais fontes desse recurso na Europa.

As minas de sal de Hallstatt são algumas das mais antigas do mundo ainda em operação. As escavações arqueológicas na área revelaram ferramentas, roupas e outros artefatos bem preservados, proporcionando uma visão fascinante sobre a vida dos antigos mineradores de sal.

Atrações principais

1. Salzwelten (Mundo do Sal):
   Uma das atrações mais populares de Hallstatt é a visita às minas de sal. Os turistas podem explorar as minas através de visitas guiadas que oferecem uma visão detalhada da história e dos métodos de mineração. A experiência inclui um passeio emocionante em um escorregador de madeira usado pelos antigos mineiros.
2. Ossuário (Beinhaus):
   Outro ponto de interesse único em Hallstatt é o Beinhaus, ou ossuário, localizado na Igreja Católica. Devido ao espaço limitado no cemitério local, os ossos dos falecidos eram exumados e armazenados no ossuário após cerca de 10 a 15 anos. Os crânios, cuidadosamente pintados e datados, formam uma coleção macabra mas fascinante.
3. Praça do Mercado:
   O centro de Hallstatt é a pitoresca Praça do Mercado, cercada por casas históricas com fachadas coloridas. Durante o verão, a praça é um local animado com cafés ao ar livre e pequenos mercados vendendo artesanato local.
4. Museu de Hallstatt:
   Para os interessados em história, o Museu de Hallstatt oferece uma rica coleção de artefatos que ilustram a longa e diversa história da cidade, desde a Idade do Bronze até os tempos modernos.
5. Igreja de Maria am Berg:
   Situada em uma colina com vista para o lago, esta igreja gótica é um dos marcos mais icônicos de Hallstatt. A vista panorâmica da cidade e do lago a partir da igreja é simplesmente deslumbrante.

Beleza natural e atividades ao ar livre

Além de sua importância histórica, Hallstatt é um destino perfeito para os amantes da natureza. O lago Hallstätter See oferece oportunidades para passeios de barco, pesca e natação. As montanhas circundantes são ideais para caminhadas, escaladas e até esqui durante o inverno.

A trilha até a plataforma de observação de Welterbeblick oferece vistas espetaculares da cidade e do lago. Outra caminhada popular é até a cachoeira Waldbachstrub, uma queda d’água impressionante escondida nas florestas ao redor de Hallstatt.

Cultura e tradições

Hallstatt mantém vivas muitas de suas tradições culturais. Festivais locais, como o Corpus Christi, são comemorados com desfiles coloridos e celebrações religiosas. A cidade também é famosa por suas marionetes artesanais e pela música tradicional austríaca.

Impacto e popularidade

Nos últimos anos, Hallstatt ganhou popularidade entre turistas de todo o mundo, especialmente da Ásia. A cidade é tão adorada que uma réplica exata de Hallstatt foi construída na China. Apesar do aumento no turismo, Hallstatt conseguiu preservar seu charme autêntico e continua a ser um destino que cativa todos os que a visitam.

Dicas para visitantes

Melhor época para visitar: A primavera e o outono são ideais para evitar as multidões e aproveitar o clima ameno. No inverno, Hallstatt se transforma em uma paisagem de conto de fadas com neve.

Transporte: Hallstatt é acessível de trem, carro ou barco. Uma das maneiras mais pitorescas de chegar é de barco, atravessando o lago a partir da cidade de Obertraun.

Hospedagem: Há uma variedade de opções de hospedagem, desde hotéis charmosos até pensões familiares. Reservar com antecedência é recomendado devido à popularidade do destino.

Quem é Blanka?

 

Saiba mais sobre aquele que é considerado o melhor personagem brasileiro dos games

Blanka, um dos personagens mais icônicos da série de jogos de luta Street Fighter, é conhecido por sua aparência verde e bestial e suas habilidades elétricas. Criado por Capcom, Blanka fez sua primeira aparição em “Street Fighter II: The World Warrior” em 1991. Ao longo dos anos, ele se tornou um favorito dos fãs, aparecendo em inúmeros jogos da série e outros produtos da franquia.

Origem e design

Blanka, cujo nome real é Jimmy, é um brasileiro que sofreu um acidente de avião quando era criança. O avião caiu na Floresta Amazônica, onde ele foi forçado a sobreviver por conta própria. A exposição a enguias elétricas modificou seu corpo, dando-lhe a habilidade de gerar eletricidade. Sua aparência selvagem, com pele verde, cabelo laranja e dentes afiados, reflete sua adaptação ao ambiente hostil da selva e supostamente ao consumo de algumas espécies de plantas.

O visual de Blanka lembra bastante o de Gorillaman “manga dos anos 80/90”: ambos os personagens tendo tornozeleiras feitas de correntes e até dentes de aparência semelhante. A equipe então adotou a aparência selvagem de Blanka, porque sentiram que o jogo seria “chato” apenas com personagens visualmente humanos.

História nos games

A história de Blanka pode variar um pouco em relação aos jogos, mas oficialmente sua linha do tempo é a entrada dele em “Street Fighter II“, onde busca a exposição para encontrar sua mãe, que ele perdeu durante o acidente de avião. Durante o torneio, ele descobre que sua mãe está viva e que ela tem procurado por ele durante todos esses anos. Blanka decide então voltar para casa com ela.

Nas subsequentes iterações da série, Blanka continua a participar de torneios de luta. Suas metas passam a ser; ser aceito na sociedade e também melhorar a vida de sua mãe. Atualmente ele é guia turístico da salva amazônica e passou a ganhar um bom dinheiro com isso.

Jogos e aparições

Blanka apareceu em quase todos os principais jogos da série Street Fighter, incluindo:

Street Fighter II (1991)
Street Fighter Alpha 3 (1998)
Street Fighter EX séries (1996-2000)
Street Fighter IV (2008)
Street Fighter V (2016)
Street Fighter VI (2023)

Além dos jogos principais, Blanka também aparece em vários spin-offs, jogos de luta cruzada e mídias relacionadas, como filmes e séries animadas.

Street Fighter II: The Animated Movie (1994)
Street Fighter II V (1995)
Street Fighter: The Movie (1994), onde foi interpretado por Robert Mammone.

Estilo de luta e habilidades

Blanka é conhecido por seu estilo de luta único, que combina ataques selvagens e movimentos acrobáticos. Algumas vezes a Capcom mencionou que ele usava uma variação da capoeira, mas isso logo acabou sendo deixado de lado. Seus golpes mais icônicos incluem:

Electric Thunder: Blanka gera eletricidade ao redor de seu corpo, eletrocutando qualquer oponente que o toque.
Rolling Attack: Um ataque em que Blanka se enrola em uma bola e investe contra seu oponente.
Beast Leap: Um salto acrobático que pode ser seguido por vários ataques.

Recepção e impacto cultural

Blanka é um dos personagens mais populares da série Street Fighter, especialmente entre os jogadores brasileiros, devido à sua nacionalidade. Sua história de sobrevivência e resiliência ressoa com muitos fãs. A aparência distinta e o estilo de luta de Blanka também o tornaram um personagem memorável e frequentemente escolhido nos torneios de Street Fighter. Em diversas pesquisas sobre o melhor representante brasileiro nos games, Blanka geralmente é o vencedor.

É um personagem que simboliza a sobrevivência e a adaptação. Sua jornada desde a selva até os torneios mundiais de luta é uma história de resiliência e determinação. Com uma base de fãs leal e uma presença contínua nos jogos e outras mídias, Blanka permanece um ícone duradouro na história dos jogos de luta e mesmo décadas depois, continua sendo o personagem brasileiro mais popular dos jogos.

LumbearJack é o game grátis da semana na Epic Games Store

 

Ele pode ser resgatado grátis na Epic Games Store até 8 de agosto

LumbearJack é o jogo grátis da semana na Epic Games Store, ele está disponível de hoje (01/08) até (08/08) para ser resgatado.

O jogo é desenvolvido pela FinalBoss Games e publicado pela Armor Games Studios. LumbearJack é um jogo de resolução de puzzles (quebra-cabeças), você assume o papel de Jack, um humilde urso que quer salvar o meio ambiente. O jogo foi lançado originalmente em 2022.

Faça o resgate (aqui)

Videogame também é um cinema interativo?

Chegou o momento dos grandes estúdios do cinema perceber o potencial dos videogames?

Nos últimos anos, a indústria dos videogames tem crescido exponencialmente, não só em termos de mercado, mas também em termos de complexidade narrativa e impacto cultural. Uma questão que frequentemente surge é se os videogames podem ser considerados uma forma de cinema interativo. Neste artigo, vou explorar as semelhanças e diferenças entre os videogames e o cinema, além de discutir como a narrativa interativa dos jogos pode oferecer uma experiência única aos players.

As semelhanças mais notáveis

Narrativa: Tanto os videogames quanto o cinema têm a capacidade de contar histórias complexas e emocionalmente envolventes. Jogos como “The Last of Us“, “Hellblade: Senua’s Sacrifice” e “Red Dead Redemption 2” são exemplos de como os videogames podem criar narrativas profundas e bem elaboradas, comparáveis às dos melhores filmes. Esses jogos utilizam técnicas cinematográficas, como direção de arte, design de som e edição de cenas, para criar uma experiência imersiva.

Visual e áudio: Os avanços na tecnologia gráfica e sonora permitiram que os videogames atingissem níveis de realismo impressionantes. Jogos como “Cyberpunk 2077“, “Senua’s Saga: Hellblade II“, “Death Stranding” e “Horizon Zero Dawn” apresentam visuais deslumbrantes e trilhas sonoras envolventes, que rivalizam com as produções cinematográficas de alto orçamento. Além disso, muitos jogos empregam atores conhecidos para capturar performances realistas através da captura de movimentos, aumentando ainda mais a qualidade da atuação.

Público e popularidade: Tanto os videogames quanto os filmes atingem um público vasto e diversificado. Eventos como a Gamescom e festivais de cinema como o Festival de Cannes atraem milhares de fãs e profissionais da indústria. Além disso, franquias de jogos populares, como “Super Mario“, “Sonic“, “Mortal Kombat” e “Resident Evil“, foram adaptadas para o cinema, mostrando a interconexão e a influência mútua entre essas duas formas de entretenimento.

As reais diferenças

Interatividade: A principal diferença entre videogames e cinema é a interatividade. Nos videogames, o jogador assume um papel ativo na história, tomando decisões que podem afetar o desenrolar da narrativa. Jogos como “Mass Effect” e “The Witcher 3: Wild Hunt” são conhecidos por suas escolhas morais e ramificações narrativas, que permitem aos jogadores moldar a história de acordo com suas ações. No cinema, o espectador é um observador passivo, sem a capacidade de influenciar a narrativa.

Rejogabilidade: A interatividade nos videogames também leva à rejogabilidade. Jogos com múltiplos finais ou caminhos alternativos incentivam os jogadores a revisitarem a história várias vezes para explorarem todas as possibilidades. Filmes, por outro lado, geralmente oferecem uma experiência única e linear, sem variações significativas na narrativa.

Duração e estrutura: Os videogames tendem a ser mais longos do que os filmes. Enquanto um filme típico dura cerca de duas horas, um jogo pode proporcionar dezenas ou até centenas de horas de gameplay. Isso permite um desenvolvimento mais aprofundado dos personagens e do mundo do jogo. A estrutura episódica de alguns jogos, como “Life is Strange” e “The Walking Dead“, também se assemelha às séries de televisão, oferecendo capítulos distintos que compõem uma história maior.

Jogos que são um verdadeiro cinema interativo? Temos.

Os games “Heavy Rain” e “Detroit: Become Human” desenvolvidos pela Quantic Dream, são exemplos proeminentes de como os videogames podem funcionar como cinema interativo. Ambos oferecem narrativas complexas e ramificadas, onde as escolhas dos jogadores têm consequências significativas. A captura de movimentos e as atuações de alta qualidade proporcionam uma experiência cinematográfica imersiva.

O “Until Dawn” é um jogo de terror que utiliza mecânicas de escolha e consequência para criar uma narrativa interativa. O jogador controla vários personagens e deve tomar decisões rápidas que afetam o destino de cada um, resultando em múltiplos finais possíveis. A estrutura do jogo se assemelha a um filme de terror interativo, mantendo os jogadores constantemente engajados e tensos.

A diferença entre cinema e videogame está diminuindo?

À medida que a tecnologia continua a avançar, a linha entre videogames e cinema pode se tornar ainda mais tênue. Realidade virtual (VR) e realidade aumentada (AR) oferecem novas maneiras de contar histórias interativas, proporcionando experiências ainda mais imersivas. Além disso, colaborações entre estúdios de cinema e desenvolvedores de jogos podem resultar em novos formatos de entretenimento que combinam o melhor dos dois mundos.

O futuro do cinema está nos jogos?

Os videogames têm o potencial de ser uma espécie de cinema interativo, oferecendo uma forma única de contar histórias que combina elementos visuais e sonoros do cinema com a interatividade e a rejogabilidade dos jogos. Embora existam diferenças significativas entre os dois meios, as semelhanças são suficientes para considerar os videogames como uma evolução do cinema tradicional, onde o espectador se torna participante ativo na narrativa. À medida que a indústria continua a inovar, o cinema parece cada vez mais encurralado, enquanto os games não param de inovar suas formas de interatividades. Será que veremos grandes estúdios do cinema e/ou diretores renomados lançando algo para videogame no futuro? Mercado tem… Quem vai dar o grande passo agora?